Composición con rojo, amarillo, negro, gris y azul

Aspectos a corregir:
- Faltan las etiquetas de tu entrada.
- Falta una imagen de un detalle ampliado de la obra.
- La imagen debe ser de tamaño mediano, y estar alineada (a izquierda o derecha).
- Una vez publicada, la entrada deja muchos espacios en blanco, especialmente al final del texto.
La obra que voy a comentar y analizar a continuación se llama "composición con rojo, amarillo, negro, gris y azul" (título de obra, en cursiva), del artista holandés Piet Mondrian que es el máximo representante del moviemiento "Neoplasticismo". Fue realizada en el año 1921.
Mondrian es una de las figuras más importantes en el desarrollo del arte abstracto. Si observamos la pintura podemos ver líneas gruesas, rectas y usa tres colores primarios como el amarillo, el rojo y el azul a lo que le suma el gris y el negro. El tema de la obra es la búsqueda de la estructura básica del universo. Sus pinturas iban unidas a sus pensamientos espiritualistas y reflexivos (esta reflexión es bastante profunda, si no la justificas no te la puedo dar por válida, sobre todo cuando tiene toda la pinta de haber sido copiada de internet). Usa figuras geométricas como los cuadrados y los rectángulos de distintas medidas. Los colores grises dan la sensación de poca luz (¿qué colores grises?). Las líneas negras separan los colores y hace que no se mezclen y podamos prestar atención a cada uno de los colores. Las líneas están dibujadas sobre plano y son líneas rectas. La técnica es óleo sobre lienzo. La composición de las figuras geométricas son asimétricas, cada una tiene un tamaño y una posición.
Esta obra pertenece al movimiento “Neoplasticista” que está vinculado a la aparición del arte
abstracto. Se inició en 1917 de la mano de Piet Mondrian. La intención de este movimiento es
la expresión de la unidad de la naturaleza. Se caracteriza por buscar la renovación estética,
depuración de las formas hasta llegar a los componentes fundamentales como son las líneas y
planos. Usa pocos colores. No se utiliza la simetría pero sí líneas y masas rectangulares de
diferentes tamaños y colores.
Como hemos observado en este cuadro, refleja claramente el neoplasticismo ya que hace uso
de líneas horizontales y verticales formando rectángulos de diferentes tamaños y colores. No
hay gran variedad de colores.
Mondrian es el representante de neoplasticismo.

Composición número 2

Esta obra de Piet Mondrian pertenece al género histórico (debes revisar qué se entiende por "descripción del género, temática y/o asunto": para ello, puedes, por ejemplo, consultar los comentarios corregidos de tus compañeros o los tuyos propios, o bien preguntar en clase. En todo caso, la pintura "abstracta" carece, por definición, de "género, tema o asunto" -al menos, en el nivel de análisis que nos planteamos en este curso-), el efecto que daba era al dedicarse (COHERENCIA)a la abstracción geométrica, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados (¿ya mencionados? ¿cuándo?) colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal.

Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. (¿y esto qué significa? La mayor parte de este párrafo está calcado de otra fuente: es decir, que has cometido plagio. Sabéis que no se os prohibe consultar otras fuentes para obtener información, pero que esta información debe ser expresada con vuestras palabras. especialmente cuando no se adecúan al nivel exigido para 4º de ESO, y más aún cuando implican errores de coherencia y cohesión interna del texto.) Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.Su técnica es óleo sobre lienzo, su composicion es como hemos explicado arriba, era todo abstracción geométrica.Esta obra no tiene ningún volumen ni ninguna profundidad, los colores que usa son frios y cálidos. (¿Qué colores emplea?)

Y sobre la factura de esta obra no tiene mucho trabajo, pero esta bien trabajada. (COHERENCIA) Pertenece ala Van guardia artística abstracción como hemos dicho antes, que pertenece a los siglos XX, que se caracteriza por la ausencia de figuras reconocibles.Predomina el color las formas y la composición.

Aspectos a corregir:
- Faltan las etiquetas.
- De nuevo, copias mucha información de internet, incluso información que no comprendes.
- Tienes muchos errores de escritura (similares a errores que has cometido en entradas anteriores) por no revisar tu trabajo una vez publicado. Esta reiteración parece indicar una falta de interés notable por la tarea realizada.
- La segunda imagen de tu entrada no parece un detalle del cuadro que has comentado.

Tableaus I

En el comienzo de esta entrada vamos a comentar la obra artística Tableaus I, creado por Piet Mondrian en el año 1921.

 En primer lugar vemos un cuadro pintado con lineas verticales y horizontales y escasos colores. En segundo lugar la técnica empleada es oleo sobre lienzo, al no tener ni formas ni volúmenes este cuadro es llamado abstracto, no hay luz aparante, los colores que se emplean son frios como el azul y calidos como el rojo, la factura no está muy trabajada ya que en  mi opinión es simple. En tercer lugar es un cuadro del siglo XX, el pintor es Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista Neerlandés que vivio del año 1872 hasta 1944. Por ultimo la gente en esta epoca junto a la I guerra muncial ya no le veía sentido a nada y empezaron a pintar obras como estas sin sentido alguno.

Composición en rojo, azul y amarillo.

En la presente entrada voy a hacer un análisis de pintura, en concreto la pintura de Piet Mondrian y la pintura, "composición en rojo, azul y amarillo" (el título en cursiva, pero sin comillas, y con la primera letra en mayúsculas.)

En primer lugar observamos la obra y damos pie a su descripción. En esta pintura podemos ver un cuadrado mayor que todos los demás de la obra, es un cuadrado rojo posicionado en la parte superior derecha, en la parte superior izquierda vemos dos cuadrados de menor tamaño que el anterior estos cuadrados son completamente blancos, en la parte inferior izquierda vemos un cuadrado azul, en la parte central inferior vemos un rectángulo blanco también y en la parte inferior derecha vemos dos cuadrados mas pequeños que los anteriores, uno de color amarillo y el otro blanco.

Esta pintura no tiene temática ni sentido simplemente son cuadrados.

Respecto a su técnica yo diría que es oleo sobre lienzo por la textura de la pintura y la tonalidad de color.

El cuadro no tiene volumen solo tiene formas geométricas rectas y con aristas.

Respecto a la luz podría decir  que viene de todo el cuadro ya que no vemos un foco de procedencia claro. En el color decimos que predomina el rojo cálido pero también vemos otros colores fríos y claros (colores primarios, blanco y negro). Respecto a su factura yo diría que ha sido muy breve ya que no hay muchos objetos que pintar.

La obra fue creada en el año 1930 hecha por Piet Mondrian y su titulo es composición de rojo, azul y amarillo.

Aspectos a corregir:

- La imagen debía estar alineada (a izquierda o derecha), no centrada.

- Falta una conclusión a tu texto.

- Falta el detalle de la imagen.

Composition London, Piet Mondrian.

En la siguiente entrada vamos a comentar una obra que se llama Composition London, fue una obra realiza por Piet Mondrian en 1940-42.
La técnica empleada es óleo sobre lienzo, en esta obra como podemos observar no se puede reconocer ningún objeto ni ninguna cara, esta vanguardia se llama abstracción.
Es una composición bastante original ya que no se puede ver nada solo colores y como ya he dicho no se puede reconocer ningún objeto.
Como podemos observar las pinceladas que se usa no son sueltas es un cuadro que tiene todo muy bien hecho, esta obra tiene formas ya que esta compuesta por varios colores y en cuanto a su volumen no tiene ya que no tiene sombras ni ningún rostro u objeto. Esta obra como podemos observar es muy simple ya que utiliza muy pocos colores y no expresa. Para finalizar pienso que es una gran obra de Mondrian aunque sea muy simple por la utilización
de los colores.
Aspectos a corregir:
- Te ha faltado por comentar: la composición, el color y la luz.

Composición con rojo, amarillo y azul, 1942

En la siguiente entrada vamos a comentar una obra que se llama Composición con rojo, amarillo y azul (título en cursiva), una obra que fue realizada en 1942 por Piet Mondrian.
La técnica empleada en el cuadro es óleo sobre lienzo. Es una obra en la que no podemos reconocer ningún objeto ni nada parecido. Es una obra que pertenece a la vanguardia artística de abstracción ya que no se puede reconocer nada en el cuadro. Las pinceladas empleadas no son sueltas, ya que están muy bien señalado los colores y no hay ningún resto blanco. Es una obra que tiene formas geométricas muy bien señaladas, y por lo tanto podemos apreciar que son cuadros y rectángulos algo pequeños. Es un cuadro sin volumen ya que es una obra en la que no se pueden apreciar sombras ni profundidad. En cuanto a la luz, es una obra poco llamativa aunque lleve colores que destaquen y rayas negras. En cuanto a color, es un cuadro (en el) que solo se han aplicado colores como el amarillo, rojo y un poquito de azul (colores primarios) claro, los demás cuadros son blancos tirando a gris. 

Es un cuadro como bien decía es simple, pero a Mondrian le llevo tiempo ya que es un cuadro con muchas rayas rectas y de varios tamaños. 
Mi conclusión sobre este cuadro, pienso que es un cuadro algo complicado ya que lleva muchas líneas de distintos tamaños como bien he comentado antes, pienso que Piet Mondrian realizo un buen trabajo.

Composición C, Piet Mondrian.

En la siguiente entrada vamos a comentar una obra que se llama Composición C, una obra que fue realizada por Piet Mondrian a principios del siglo XX.
La técnica empleada en el cuadro es óleo sobre lienzo. Es una obra en la que no se puede reconocer ningún objeto ni rostro, es una obra que pertenece a la vanguardia artística de abstracción ya que no se puede reconocer nada en el cuadro.
Como ya e dicho, es un cuadro que no representa nada y tampoco tiene fondo. Es una composición original ya que no representa nada y te deja pensando lo que quiere decir.
Las pinceladas empleadas no son sueltas ya que las líneas de los cuadros más su interior está muy bien hecho y pintado.
Es una obra que tiene formas porque se puede apreciar muy bien en ella que está compuesta por varios cuadros de colores distintos.
En cuanto al volumen, no tiene ya que es una obra en la que no se puede apreciar ninguna sombra y tampoco tiene profundidad.
En cuanto a la luz, es una obra muy llamativa pero en ella no se puede apreciar ningún reflejo de luz ya que como vuelvo a decir, es una obra en la que no se representa nada, solo cuadros.
Volviendo ha hablar de los colores, es un cuadro muy simple y se usan muy pocos colores, sólo se una el azul, el blanco, amarillo y rojo (colores primarios, blanco y negro).
Para este cuadro se necesitó poco tiempo ya que es un cuadro simple y sencillo pero aún así Piet Mondrain lo pintó bastante bien.
La vanguardia artística con la que se relaciona este cuadro es con la Abstración, que es un movimiento en el en las obras que pertenecen a esta vanguardia no se reconoce lo que hay en el cuadro.
Mi conclusión ante el cuadro, pienso que es un cuadro muy sencillo pero a la vez muy original. Es una bonita obra de Piet Mondrian.

audaciti

Salvador Dalí " Teléfono en bandeja con tres sardinas a finales de septiembre "

En la siguiente entrada vamos a hablar de un cuadro de Dalí llamado
 " Telefono en bandeja con tres sardinas a finales de septiembre " (título de obra, en cursiva)

La imagen debería estar en tamaño pequeño, y alineada (a izquierda o derecha).
En primer lugar podemos observar detenidamente lo raro que resulta ver en un plato tres sardinas y un teléfono, podemos observar también como debajo de ese mismo plato hay como un pequeño dibujo en la mesa y de donde parece que se aprecia una especia de muñecos muy pequeños. En segundo lugar el genero de este cuadro es el surrealismo (lo que tú llamas género, no es exactamente el género, sino el "movimiento artístico con el que se asocia), la técnica que se utiliza es oleo sobre lienzo, su composición podemos deducir que es un plato en una mesa cualquiera de un casa (faltarían elementos de la composición por mencionar, pues solo comentas lo que tenemos en primer plano), en este cuadro las formas que vemos son lineas rectas horizontales y verticales y podemos ver como hay volumen si nos fijamos en el plato, en este cuadro la luz que podemos apreciar vienes se la parte superior izquierda (la luz viene de dos puntos: de la parte inferior derecha -la sombra del plato así lo delata-, y del fondo del cuadro -una luz muy potente, por cierto-) como si hubiese una puerta abierta que deja pasar algo de luz, predominan los colores fríos, la factura vemos o en mi opinión que es muy trabajada y tiene mucho detalle y al fondo parece haber una chimenea en la que no da nada  de luz o es lo que al menos aprecio yo. (COHESIÓN: Desde la tercera línea de tu texto hasta aquí, comentas muchos aspectos diferentes, que tendrías que haber separado con pausas más fuertes, es decir, con puntos). En tercer lugar el cuadro fue creado en el año 1939 en Florida, a este cuadro no le podemos ver sentido alguno ya que estábamos en la época del surrealismo, y fue pintado por Salvador Dalí considerado uno de los máximos representantes del surrealismo, murió en 1989 a los 84 años de edad. Por último en esta época en la que se hacían este tipo de cuadros la gente no le veía sentido alguno a las guerras que se estaban sucediendo por lo tanto pensaron en porque no podían pintar cosas que a lo mejor soñaban una noche y no hacia falta que tuviese sentido.

Salvador Dalì "La persistencia de la memoria"

En la siguiente entrada voy a hacer un comentario de obra artística en especial el cuadro
"La persistencia de la memoria" de Salvador Dalì. Aquì vemos la pintura

En primer lugar, observamos la pintura y vemos que no le podemos encontrar un sentido claro o una ¿transmisión? fácil de entender, en la obra aparece lo que podría ser una playa o un paisaje de costa ya que vemos elementos como acantilados, una playa y a lo lejos lo que podría ser el mar.
En esta pintura no le podemos sacar una clara temática ya que  no nos deja claro que es lo que quiere esperar en un supuesto caso podemos decir que su tema es el tiempo ya que vemos numerosos relojes deformados en el cuadro. Respecto a su técnica decimos que es òleo sobre lienzo ya que vemos claridad en el detalle cualidad muy atribuida a la pintura òleo, en su composición vemos lo que parece ser el mar o agua en la parte superior, montañas o un acantilado en la parte derecha, en la parte inferior vemos lo que podría ser un animal marino como una foca o un león marino y en la parte izquierda vemos un pequeño árbol y numerosos relojes derretidos, sus formas y volúmenes vemos que predominan las aristas y vértices y el autor le dio un volumen a toda la obra, vemos sombras y tonos diferentes de color en casi todos los objetos de la pintura. Respecto a la luz, podemos ver que tiene un claro foco de procedencia que es por la derecha de la obra, solo en la parte superior hay abundancia de luz pero en la mayor parte de la parte inferior vemos que predomina un cierto tono oscuro por la ausencia de luz directa. En colores predominan colores frescos y claros en tonos de azul, verde claro, y marrón claro. Respecto a su factura podemos deducir que fue una obra con un gran plazo de elaboración ya que podemos observar numerosos detalles en el cuadro como sombras y reflejos muy fieles.
Esta obra pertenece al surrealismo, que es un movimiento artístico de principios de siglo XX,  que no busca la transmisión de nada en concreto, solo dejar volar la imaginación o darle a todo un punto de vista diferente. Esta pintura fue pintada por Salvador Dalì en el año 1931, época de transicciòn  de guerra mundial y probablemente el cuadro pueda reflejar en un supuesto caso dolor o angustia por los acontecimientos de aquella época.
Espero os haya servido de ayuda y os haya gustado esta obra y esta entrada.

Cráneo y su apéndice lírico apoyándose sobre una mesilla de noche que tendría la temperatura de un nido de cardenal

Te recuerdo, María Jesús (y de paso, lo recordamos a los demás), el quinto criterio que utilizamos para la evaluación de los comentarios de obra artística (y que conocéis desde principios de curso): 5.5 El texto de la entrada es de elaboración propia, evitando copiar párrafos o frase enteras, especialmente cuando no se cita la fuente y cuando dejan la entrada falta de cohesión y coherencia (en caso de que el plagio supere los límites razonables, la actividad en su conjunto no podrá ser evaluada).
A continuación voy a hacer un breve comentario de obra artística sobre un cuadro de Salvador Dalí que nació en 1904 en Figueras. Fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y a la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba  a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.
Las ideas políticas de Salvador Dalí desempeñaron un papel muy relevante en sus inicios artísticos.
El principal aporte de Dalí al surrealismo fue su método "paranoico-crítico". Inspirado en las teórias de Freud, consistía en representar imágenes oníricas (de los sueños) y objetos cotidianos de formas insospechadas y sorprendentes, dándoles un funcionamiento simbólico. Como  en los relojes deformados de "La persistencia de la memoria" (1931).
Este método es su propia interpretación del surrealismo. Lo define como un "Método espontáneo de conocimiento irracional basado en la asociación interpretativa crítica de fenómenos delirantes".
En 1929, Dalí conoció a la rusa Helena Diaknova  (1894-1982) en su propia casa. Esta lo visitó junto a su marido, el poeta Paul Eluard, el matrimonio Magritte y el galerista Camille Goemans.
A partir de este momento, Helena, apodada Gala, se convirtió en su modelo, musa y compañera.

Ademas de utilizar métodos pre-existente de aplicación de pintura para tela, Dalí también utilizó métodos de su propia creación. en la obra que nos ocupa, Dalí utilizó paneles de madera como lienzo y se aplicó una imprimación blanca sobre la que comenzó a pintar el fondo.
Su técnica también se basaba en imágenes hipnogógicas:
Se trata de la letra "E". Salvador Dalí utilizaba esta técnica. Se relajaba y unas imágenes o sonidos le despertaban imágenes surreales. Lo que hacía era poner un plato de metal en el suelo y luego se sentaba al lado en una silla sosteniendo una cuchara encima del plato. Se relajaba y a veces , en cuanto se empezaba a medio dormir, la cuchara caía, hacía sonar el plato y le despertaba. De esta forma el tiempo de sueño era extremadamente corto y podía rescatar las imágenes que le habían aparecido.

Retrato de Gala con langosta

En esta entrada vamos a comentar la obra Retrato de Gala con langosta (título de obra, en cursiva).
Esta obra pertenece al género histórico (¿por qué? ¿qué se entiende por género histórico?) y trata de una mujer que tiene un avión como nariz y una langosta encima de la cabeza.
Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo (¿a quién?).cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta (¿cuál?) irritaba a quienes apreciaban su arte (¿de quién?) y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.4 Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental a un autoproclamado linaje arábigo Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas (esta última oración -desde "Dalí"- representa lo que nunca hay que hacer al utilizar información de internet). Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. (PLAGIO: además, utilizas la información que has copiado de manera descontextualizada y sin aparente relación con el comentario que debes realizar.) La técnica de esta pintura es óleo sobre lienzo, en el angulo inferior derecho posteriormente esta escrito, Sal

vador Dalí.Este cuadro representa una composición bastante simple, es la cabeza de una mujer en medio con un avión de nariz y una langosta encima de la cabeza.
No tiene volúmenes (sí que los tiene: ¿cómo ves la cara de Gala? ¿Redondeada y con contornos, o plana?) pero si tiene una cierta profundidad,la luz de este cuadro viene de la parte izquierda alacara iluminadola, los colores son cálidos con parte del fondo disfuminado.
La factura de esta obra no esta muy trabajada, hay facturas mejor trabajadas. (La manera correcta de expresar esto -como ya hemos visto en otras ocasiones-, sería: "la obra presenta una factura no tan trabajada como en otras obras de Dalí, aunque hay aspectos muy trabajados, como, por ejemplo, el cabello de la retratada).
El autor de esta obra como antes hemos nombrado es Salvador Dalí, es un colección privada (¿qué es una "colección privada"? ¿Salvador Dalí?). Se refiere al arte subrealismo, que defiende la utilización de imágenes aníricas (relativo a los sueños)e inconexas para expresar elsubconsciente, y desvelar los sueños, sentimientos o ideas ocultas en la mente humana.

Huevos al plato, sin el plato, Salvador Dalí.

En la siguiente entrada vamos a comentar una obra que se llama Huevos al plato, sin el plato, una obra que fue realizada por Salvador Dalí Doménech en 1932.

Este cuadro está expuesto en el museo the Salvador Dalí museum en San Petersburgo, todas las obras de Dalí fueron muy populares.
La técnica empleada en la obra es óleo sobre lienzo, en la obra se emplean pocos colores.
En la obra se puede apreciar que hay como un edificio, en la pared se puede ver que hay como una especie de paraguas rojo y un  reloj de cadena que empieza a derretirse, en la parte superior hay una especie de ventana que se puede apreciar como hay un adulto y un niño que se asoman, también se puede ver que hay un plato con dos huevos fritos y que el tercer huevo está apunto de caer pero esta sujeto por una cuerda que no sale de ningún lado, que surge del cielo.
Es una composición bastante original ya que no se usan muchos colores, las pinceladas llevan mucho tiempo y mucho cuidado, (PAUSA: deberías haber empleado aquí un punto) es una obra que tiene formas, volúmenes y profundidad, (PAUSA: deberías haber empleado aquí un punto o punto y coma) en cuanto a su profundidad podemos ver el el huevo que esta cayendo, como cae y la forma que le da para ver que se esta cayendo, (PAUSA: deberías haber empleado aquí un punto o punto y coma) en cuanto a su volumen se puede apreciar ya que aunque usen pocos colores, son cálidos (esto que comentas tiene que ver con el color, pero no con el volumen), (PAUSA: deberías haber empleado aquí un punto o punto y coma) y en cuanto a la luz podemos ver que hay luz ya que hay sombras y reflejos (¿de qué zona del cuadro proviene? ¿es fuerte o débil?).
Salvador Dalí es uno de los pintores más importantes del siglo XX, es considerado uno de los máximos representantes del surrealismo, es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo en la década de los años 1920. (¿Cuáles son sus características? ¿Qué defienden los surrealistas?)

Bebe Mapa-Mundi, Salvador Dalí

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro llamado Bebé Mapa-Mundi fue una de las obras de Salvador Dalí, pintor modernista (¿por qué "modernista"?), realizada en 1939.

La técnica empleada sobre en el cuadro es óleo sobre lienzo.
En el cuadro se puede apreciar una foto de la cara de un bebé con un mapa dibujado en la cara puesto en un pie de la bola del mundo.
Es una composición bastante original ya que se usan pocos colores pero están muy bien empleados, tonos claros. (La composición no tiene que ver -al menos exclusivamente- con el color)

Es una obra que tiene formas y volúmenes muy bien trabajados y también tiene profundidad.
En cuanto a su profundidad, se puede apreciar que es la cara de un bebé con un poquito de mapa dibujado. (Esto que comentas no es "profundidad".)
En cuanto al volumen, no tiene volúmenes ya que no tiene sombras empleadas. (¡Pero si acabas de decir cuatro líneas más arriba que tiene "volúmenes muy bien trabajados!) 

En cuanto a la luz, es un cuadro con colores llamativos (¿qué colores ves en la pintura que sean "llamativos"?), aunque también tiene tonos oscuros. 

En cuanto a las sombras, es un cuadro que no tiene sombras (¿segura?), en el fondo no se puede apreciar ninguna sombra del bebé.  Sus colores son cálidos y algunos un tanto complejos. (La explicación sobre los colores es incompleta y un tanto contradictoria, teniendo en cuenta lo que más arriba has comentado sobre el color de la obra.)
Para este cuadro se necesitó tiempo ya que aunque se usen pocos colores, se puede distinguir perfectamente la cara y distinguir colores. (que los colores se puedan distinguir no tiene que ver con la factura, ni tampoco que se usen muchos o pocos colores.)

(Esta segunda imagen de la entrada no es un detalle: es simplemente la misma imagen recortada.)

Todas las obras de Dalí están basadas en sueños que el propio pintor tiene o son cosas que se imagina, son obras muy interesantes.

El movimiento artístico de a mediados del siglo XX con el que se relaciona con el Surrealismo (COHERENCIA: esta oración no es coherente) que es un movimiento que fue creado en Francia después de la I Guerra Mundial donde hay que inspirarse en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente.

Mi conclusión sobre este cuadro, pienso que es un cuadro entretenido, pero sobretodo muy original y muy currado (ADECUACIÓN: expresión informal), está obra de Dalí me ha gustado bastante, creo que es un buen trabajo de Dalí e interesante.

El sueño, Salvador Dalí.

En la siguiente entrada vamos a comentar una obra que se llama El sueño, una obra que fue realizada por Salvador Dalí en 1935.

Este cuadro está expuesto en París, en New York, en Indianápolis, en Hollywood, en Londres y en muchos sitios más (COHERENCIA: ¿está expuesto o ha estado expuesto?). Todas las obras de Salvador Dalí fueron muy populares.
La técnica empleada en la obra es óleo o tela (¿o tela?). En el cuadro se puede apreciar lienzos (¿a qué te refieres?) y se emplean pocos colores.
En el cuadro se puede apreciar una cara que está sostenida sobre unos palos que sujetan la cara y por la posición de los cuadros (¿qué cuadros?) se forma esa cara que está como dormida, por eso se supone que se titula El sueño.  Después, detrás de la cara, se puede apreciar que tiene fondo, a lo lejos se ve como hay una pequeña montaña o una pequeña casa y tanto el cielo como el suelo se puede apreciar que hay un pequeño camino de la cara a aquella montaña. Es una composición bastante original ya que se usan pocos colores pero están muy bien trabajados.
Las pinceladas empleadas no son sueltas, requieren tiempo y cuidado para poder trabajarlas y tanto el cielo como el suelo tiene un pequeño difuminado, como con un pequeños reflejo de luz que hay detrás de la cara.
Es una obra que tiene formas y volúmenes y también tiene profundidad.
En cuanto a su profundidad, como ya he comentado antes, se puede apreciar muy bien que tiene profundidad ya que detrás de la cara hay una pequeña montaña y el suelo y el cielo también se ve a lo lejos.
En cuanto al volumen, también tiene bastante volumen, ya que aunque se usen muy pocos colores, son colores cálidos y fríos pero fuertes y llamativos. (El trabajo del volumen y los colores son dos aspectos que tienes que comentar de manera separada.) En cuanto a la luz, es una obra muy llamativa ya que tiene muchos reflejos de luz y tiene muchas sombras en la cara ya que se supone que hay luz, se pueden apreciar muchas sombras sobre ella (¿de dónde proviene la luz?). Volviendo ha hablar de los colores, como ya he dicho son colores cálidos y fríos y los dos se predominan bastante bien (queda mejor expresado, por ejemplo, así: "utilizados de manera equilibrada, sin que ninguno predomine sobre el otro").
Para este cuadro se necesitó bastante tiempo ya que aunque se usen pocos colores son muy difíciles de usarlos ya que la obra tiene mucho reflejos y bastantes sombras. Es un cuadro complicado.
Todas las obras de Dalí están basadas en sueños que el propio pintor tiene o son cosas que se imagina, son obras muy interesantes.
El movimiento artístico de a mediados del siglo XX con el que se relaciona con el Surrealismo (COHERENCIA) que es un movimiento que fue creado en Francia después de la I Guerra Mundial donde hay que inspirarse en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente.
Las características del Surrealismo sobre este cuadro es que es un cuadro que a pesar de que es bonito, no tiene mucho sentido, es subrealista y es un cuadro que te hace pensar mucho.
Mi conclusión ante el cuadro, pienso que es un cuadro muy original y muy bonito (¿de verdad crees que es "bonito"? ¿segura de que ese es el adjetivo que mejor define tu opinión sobre el cuadro?), es una gran obra de Salvador Dalí.

Three ages of woman

En la siguiente entrada vamos a comentar el cuadro llamado Life and death fue una obra realizada por Gustav Klimt en 1905. Este cuadro fue expuesto en el museo Colección particular. (Este no es el nombre de un museo.)

La técnica empleada en el cuadro es óleo sobre lienzo, se trata de un cuadro que representa la vejez por una parte, en la parte de la derecha encontramos una mujer más joven y a su bebe que representa la nueva vida, este cuadro representa como va evolucionando la vida.

Su composición trata de una mujer con la barriga hacia alante y es una mujer mayor y a su lado como podemos apreciar esta una mujer más joven que tiene a una niña-bebe en brazos.

En cuanto al volumen si tiene en el estampado que tiene que es muy llamativo,  pero profundizad no tiene.

Como podemos observar tiene colores fríos  y cálidos pero más bien son cálidos, tiene muy poca luz (si tiene poca luz, los colores deben ser -y lo son- más bien fríos), la forma de aplicar los colores es de arriba a abajo. Este cuadro fue uno de los más importantes del pintor Gustav Klimt, su moviento artistico es el modernismo. Mi opinión sobre este cuadro es que es muy interesante, ya que nos explica la vida tal y como es y es un cuadro muy original que tiene bastantes colores.   

Hygeia, Gustav Klimt.

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro que se llama Hygeia, una obra que fue realizada por Gustav Klimt (cuidado con estos espacios en blanco: revisa, al acabar, la publicación)
entre los años 1900-1907.
Este cuadro fue expuesto cuando Gustav lo hizo en la universidad de Viena que fue un gran salón.
La técnica empleada sobre el cuadro es óleo sobre lienzo. En el cuadro se puede apreciar bastantes lienzos ya que tiene un variado de colores y mucha pintura sobre la mujer que representa el cuadro.
En el cuadro se puede apreciar a una mujer, que lleva una vestimenta poco habitual y bastante rara. La mujer está sujetando la mano izquierda como un plato y colgando en el otro brazo tiene una serpiente. ¿Quién es o era Hygeia?
Por detrás, no se ve claramente, pero se puede apreciar la cara de una mujer, tiene los ojos cerrados y se ve detrás de la mujer principal del cuadro.
Es una composición bastante original ya que se usan pocos colores pero están muy bien empleados.
Las pinceladas empleadas no son sueltas, requieren bastante tiempo ya que es un dibujo que se ve su estructura claramente y de lo que se trata.
Es una obra que tiene formas y volúmenes muy bien trabajados y también tiene profundidad.
En cuanto a su profundidad, tiene poca, pero se puede apreciar que detrás de la mujer que sale con la serpiente hay otra mujer y un hombre a la derecha del cuadro con la barba muy larga, se puede ver que están lejos.
En cuanto al volumen, también tiene bastante volumen ya que aunque se usen pocos colores, la profundidad del cuadro es de un color bastante claro y la mujer principal del cuadro al tener colores tan llamativos, se puede decir que tiene bastante volumen. La explicación es un tanto rebuscada, ¿no?
En cuanto a la luz, es un cuadro que tiene ni poca ni mucha luz, más bien tiene poca luz ya que los colores son llamativos, son también oscuros y es un cuadro poco luminoso.
En cuanto a las sombras, no tiene sombras (si no tuviese sombras, sería imposible apreciar el volumen del rostro o del brazo: fíjate en el detalle que tienes aquí a la derecha), en el fondo no se puede apreciar ninguna sombra de los personaje ni tampoco de la luz, es un fondo con bastante pinceladas por lo que la sombra no se puede observar claramente.
Volviendo hablar de los colores, son colores cálidos la mayoría pero el fondo es más bien un color frío.
Para este cuadro se necesitó tiempo ya que aunque se usen pocos colores, la vestimenta de la mujer es bastante difícil de hacer al igual que su peinado. Es un cuadro bastante complicado.
El movimiento artístico con el que se relaciona es con el Modernismo que es un movimiento artístico de finales del siglo XIX. Se trata de un movimiento que defiende la búsqueda de la belleza, la evasión de la vida real y busca romper con el utilitarismo.
Las características del Modernismo en este cuadro, se representa la belleza de la mujer, el uso de la mitología y el sensualismo, el culto a la perfección formal, con poesía serena y equilibrada y por último el rechazo de la realidad cotidiana.
Mi conclusión ante el cuadro, pienso que es un cuadro muy original y muy bonito, es una gran obra de Gustav Klimt.
¿Y todo este espacio en blanco?

Longing for Happiness, Beethoven Frieze

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro llamado Longing for Happiness (título de obra artística, en cursiva) fue una de las obras de Klimt, pintor modernista, realizada en 1902.  

La técnica empleada sobre (en) el cuadro es óleo sobre lienzo.
En el cuadro se puede apreciar a dos mujeres y un hombre encima, podemos decir que es como una tumba. Una de ellas lleva un disco verde y la otra esta como rezando.
Es una composición bastante original ya que se usan pocos colores pero están muy bien empleados, tonos claros y oscuros pero se aprecia perfectamente.
Las pinceladas son complejas ya que no es un dibujo simple.
Es una obra que tiene formas y volúmenes muy bien trabajados y también tiene profundidad.
En cuanto a su profundidad, tiene poca, pero se puede apreciar que hay dos mujeres y que encima de ellas hay como un soldado.
En cuanto al volumen, también tiene bastante volumen ya que aunque se usen pocos colores, la profundidad del cuadro es de un color bastante claro y las mujeres y el soldado se distinguen muy bien. 
En cuanto a la luz, es un cuadro que tiene mucha claridad, los colores son llamativos, son también oscuros y es un cuadro poco luminoso. ¿En qué quedamos?
En cuanto a las sombras, no tiene sombras, en el fondo no se puede apreciar ninguna sombra de los personaje ni tampoco de la luz. (Si no tiene sombras es difícil que no tenga volumen)
Sus colores son cálidos y algunos un tanto complejos.
Para este cuadro se necesitó tiempo ya que aunque se usen pocos colores, se puede distinguir perfectamente las cara y disinguir colores. 
El movimiento artístico con el que se relaciona es con el Modernismo que es un movimiento artístico de finales del siglo XIX. Se trata de un movimiento que defiende la búsqueda de la belleza, la evasión de la vida real y busca romper con el utilitarismo.
Las características del Modernismo en este cuadro son, el uso de la mitología y el sensualismo, el culto a la perfección formal, con poesía serena y equilibrada y por último el rechazo de la realidad cotidiana.
Mi conclusión ante el cuadro, pienso que es un cuadro original y por eso pienso que es un cuadro bastante interesante.

comentario de obra "Nympheas"

En la siguiente entrada voy a hacer un comentario de obra artística en concreto "Nympheas" de Monet, obra hecha en el 1920
Aquí podemos observar la obra.

Para empezar decimos que esta pintura fue echa en 1920 por Monet en ella el quiso reflejar los jardines de su finca en la que se asentó junto con su familia en ese año, en si lo que estamos viendo es solamente un pequeño fragmento de lo que es la obra en si ya que esta  mide unos 20 metros y esta expuesta en una sala circular. Respecto a su técnica decimos que es pintura al oleo sobre lienzo, en su composición podemos observar que esta compuesta por una sola pieza es decir no vemos ningún salto de relieve en la obra, en sus formas y volúmenes vemos que es simple y en opinión personal un poco abstracta, la luz en la obra no proviene de un sitio en concreto si  o que todo el cuadro esta iluminado por igual, los colores son vivos y variados con tonos marrones, anaranjados, verdes y azules.
Respecto a su factura podemos observar que no es una obra con muchas oras de trabajo ya que en sus elementos no hay definición y empeño el autor le dio en general un aspecto abierto y libre para la imaginaron.
Esta obra pertenece a el realismo cuyo subgénero era el puntillismo.
Espero os haya gustado y os hay servido de ayuda.
para mas información de la obra la podéis encontrar aqui

Análisis de la obra de "Los fusilamientos del 2 de mayo"

En la siguiente entrada voy a hacer un comentario de obra artística en concreto "Los fusilamientos del 2 de mayo" de Goya, obra hecha en el 1808.
Aquí podemos observar la obra.















En la pintura podemos observar que refleja un acontecimiento histórico que fueron los fusilamientos del 2 de mayo, respecto a su técnica decimos que es oleo sobre tela, este era un tipo de pintura muy utilizada en la época la pintura al oleo proviene de aceites de ahí su nombre oleo de oil en ingles. respecto a su composición podemos ver que se compone principalmente de dos elementos en los que se centra el pintor que es la cara de sufrimiento de los fusilados y los soldados, el cuadro vemos que no muestra profundidad y sus figuras son mas bien redondeadas que geométricas, también podemos observar que la luz proviene del centro del cuadro de una lampara en el centro para ser mas concretos, y también vemos que la luz en general de la pintura es tenue y apagada exceptuando ese foco de luz céntrico. Los colores de la obra son suaves en tonos generales de marrón y tenue. Respecto a su factura podemos decir que es un cuadro con pocas horas de elaboración debido a la poca definición de sus elementos. Su estilo pictórico es el romanticismo.
Espero os haya gustado y servido de ayuda.
Para mas información de la obra podéis pinchar aqui