los ojos verdes,Bécquer

La rosa de la pasión, Bécquer

En la siguiente entrada podréis escuchar la leyenda La rosa de la pasión de  Don Gustavo Adolfo Bécquer. Para ayudarte en la escucha y poder entender mejor la leyenda aqui te dejo el significado de algunas palabras que no solemos utilizar mucho que recoge la leyenda.
-Aderezando: Arreglar algo o alguien para embellecerlo.
-Truhanes: Persona que estafa a otra.
-Canónigo: Miembro del cabildo de una catedral o colegiata.
-Ajimez: Ventana dividida en el centro por una columna fija o parteluz, sobre la cual voltean dos arcos gemelos,
-Báculo: Bastón largo con el extremo superior curvo.
-Pintoresca: Que presenta una imagen bella, agradable y única, muy adecuada para ser pintada.
-Diseminados: Extender los elementos de un conjunto sin orden y en diferentes direcciones.
-Endriagos: Monstruo fabuloso, formado del conjunto de facciones humanas y de las de varias fieras.
-Grotescos: Que produce risa o burla por ser extraño, ridículo o absurdo.
-Yunque: Prisma de hierro acerado sobre el que se trabajan a martillo los metales.

En la siguiente entrada vamos a hablar del cuadro Moulin de la Gallette, de Renoir.
Renoir nacido en 1919 fue un pintor francés impresionista que en la segunda parte de su carrera se intereso por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.
En el cuadro podemos ver que hay un gran numero de gente concentrada en lo que podría ser un plaza, la gente esta bailando, bebiendo y hablando con mas gente.
La técnica que se utiliza es oleo sobre lienzo, su composición es de muchos colores y muchos integrantes en el cuadro, las formas y volúmenes son muy conseguidas ya que se puede ver lo bien echas que están por ejemplo las caras con todo detalle. La luz actúa muy bien y también podemos ver sombras, la luz procede de la parte izquierda del cuadro. Es muy colorido y con muchos colores notables. A mi parecer tiene un gran tiempo de elavoración este cuadro debido a los detalles que tiene. Este cuadro pertenece a la segunda mitad del siglo XIX, en este tiempo las obras que se hacían eran mas el puntillismo un nuevo estilo muy practicado en estos tiempos.
Esta obra la podemos encontrar en el Museo de Orsay, París.

Degas, La clase de danza.

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro llamado La clase danza, fue unas de las obras de Degas realizada en el año 1873.Este cuadro está expuesto en el Museo de Orsay,en Paris,Francia. El estilo del cuadro es impresionismo. La técnica empleada sobre el cuadro es oleo sobre lienzo.

Quizá sea ésta la escena de ballet más popular de Degas. En ella recoge uno de los salones del Teatro de la Ópera de París, donde dirige la clase el gran Jules Perrot, quien a sus 64 años era uno de los maestros más prestigiosos. A su alrededor gira la escena que contemplamos, formando las bailarinas un círculo imperfecto para escuchar los consejos y observaciones del legendario bailarín. En primer plano se sitúa una joven de espaldas y otra subida en el piano, rascándose la espalda. Las demás muchachas se recortan sobre la pared verde y el gran espejo enclavado en el vano de una puerta. Al fondo se sitúan las butacas reservadas para las madres que vigilaban la actuación individual de sus hijas, aunque aquí no se recoja ningún ensayo concreto. El gran protagonista del lienzo no es el anciano profesor sino el magnífico efecto de profundidad, obtenido a través de las líneas diagonales del suelo, la disposición de las bailarinas en el espacio y la esquina del fondo de la sala, que juega con la influencia de la fotografía al cortar los planos pictóricos, vemos una parte del zócalo del techo mientras que en la zona de la izquierda no lo podemos contemplar.

La sensación de movimiento es otra de las atracciones del maestro, que coloca a sus personajes siempre en diferentes posturas. Por supuesto, no debemos olvidar el interés por la luz, en este caso un potente foco de luz procedente de las ventanas de la derecha - una de las cuales se refleja en el espejo, dejando ver el cielo de París que inunda la sala, resbala por los vestidos de las bailarinas y resalta los verdes, rojos y amarillos de cintas y lazos. Precisamente es la luz la que crea una sensación atmosférica especial, que llega a recordar a la de Velázquez, diluyendo los contornos de las figuras y otorgando aire al espacio. La mayoría de las escenas de danza de Degas muestra el esfuerzo y el intenso trabajo de las muchachas por poner una obra en escena. Los rayos X demuestran que Degas efectuó muchos cambios en esta tela. Por ejemplo, en el primer término había originariamente dos bailarinas que miraban al espectador; una de ellas todavía se ve entre las dos bailarinas de ahora, pintadas encima; además, el profesor miraba a la pared del fondo. El mármol de la estancia dibuja marcadas líneas verticales que llevan la vista hasta el fondo de la sala, donde una muchacha, de pie sobre una plataforma, se ajusta la gargantilla. La influencia de los grabados japoneses se aprecia en la inclinación del suelo y en el desequilibrio y asimetría de la composición. El contraste entre el espacio vacío de la derecha, en la parte baja del lienzo, y el apiñamiento de las figuras fue un recurso muy utilizado por Degas. También es típica la composición en diagonal, muy acusada aquí por las nítidas líneas de los tablones del piso, que arrastra la mirada hacia el fondo. Desde mi punto de vista puedo decir que es un cuadro interesante ya que te muestra como son las clases de ballet y que hacen las bailarinas y el profesor como están situados en las clases.Es un cuadro que llevó poco tiempo crear, ya que se trata de un cuadro impresionista, son cuadros que se terminan en pocas horas. Este texto pertenece al movimiento artístico es Impresionismo, Se trata de un movimiento originalmente pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX.

Monet, El portal de la catedral de Rouen

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro llamado Catedral de Rouen, fue una de las obras de Monet realizada en 1890. Este cuadro está expuesto Musée d'Orsay, París, Francia. 

La técnica empleada sobre el cuadro es óleo sobre lienzo. Se trata de un cuadro que representa la Catedral de Rouen, con colores fríos. Fijándose en la catedral puedo resaltar entre una estructura sólida permanente y con la luz siempre juega con la perspectiva que vemos. La fachada (puesta al sol) son distintos tonos de marrón, azul alguna sombra que otra.
En esta parte de la imagen podemos apreciar que Monet aplicó el marrón más oscuro en una zona concreta. Es un cuadro simple, pero con muchos detalles pequeños, y diferentes contrastes. Se puede ver claramente la estructura de la catedral. En este cuadro también podemos apreciar algunos volúmenes y sombras.
Desde mi punto de vista puedo decir que es un cuadro interesante, ya que a Monet le llevó poco tiempo crear este cuadro, ya que se trata de un cuadro impresionista, son cuadros que se terminan en pocas horas, ya que es una obra que tiene la pincelada muy suelta, están pintados por lo general en el exterior, aprovechando los momentos de luz.
Este texto pertenece al movimiento artístico es  Impresionismo, Se trata de un movimiento originalmente pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX.

Impresión, sol naciente

En la siguiente entrada vamos a comentar el cuadro que se llama Impresión, sol naciente, fue una obra realizada por Monet en 1872 . Este cuadro está expuesto en el Museo Marmottan de París.
La técnica empleada sobre (en) el cuadro es óleo sobre lienzo, se trata de un cuadro que representa el amanecer, este cuadro no narra ninguna historia. Su composición es ligeramente asimétrica y desplazada hacia la izquierda (¿o hacia la derecha?) con el motivo del reflejo del sol .
Predomina claramente el color sobre la linea con una pincelada muy suelta, no se ve con mucha claridad los dibujos pero este cuadro es muy original, ya que usa distintos colores, y hace una mezcla muy buena entre todos.

Como podemos observar los colores son fríos, usa violetas y azules que contrastan con pequeñas zonas cálidas anaranjadas.
La luz es la verdadera y única protagonista del cuadro por los reflejos que tiene sobre el agua. La forma de aplicar los colores como podemos ver es de arriba abajo, tienden a la creación de un espacio bastante plano y alzado (¿qué significa esta frase?), y sus figuras no tienen excesiva importancia por que no existe el interés por las texturas (¿y esta otra?).
Este cuadro históricamente fue la primera creación impresionista.
El Impresionismo es un movimiento artístico del sigo XIX. Para finalizar tengo que decir que es un gran cuadro y una gran obra realizada por Claude Oscar Monet.
Falta hablar de:
- Las características del Impresionismo que puedes apreciar en el cuadro.
- La factura del cuadro: ¿es un cuadro que se pinta de una vez, en una tarde? ¿o es un cuadro que tarda muchos días en pintarse, que no se pinta de una sola vez? Para ello, puedes ayudarte fijándote en si se trata de una obra con una pincelada suelta y rápida, superponiendo colores todavía húmedos, o si el cuadro tiene varias capas de pintura, que requieren de un secado previo para volver a pintar, y, por lo tanto, requiere de muchos días de trabajo.

El rayo de luna, de Bécquer.

En la siguiente entrada podrás escuchar la leyenda El rayo de luna de Gustavo Adolfo Bécquer, de 1861. Para ayudarte en la escucha, aquí tienes el significado de algunas palabras de uso poco común que recoge la leyenda.
- Cántiga: Composición poética para ser cantada.
- Palafreneros: Criados que cuidan los caballos.
- Sílfides: Espíritus femeninos del aire.
- Jaramago: Planta de flores amarillas común entra los escombros.
- Quimeras: Ilusiones, sueños.
- Goznes: Herrajes que unen la hoja de la puerta al quicial.
- Anascote: Tela de seda con los hilos en diagonal.
- Hopalandas: Vestidura amplia, faldones.
- Cimera: Parte superior de el casco de una armadura.
- Escabel: Taburete.

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Seurat: "Tarde de domingo en la isla Grande Jatte"

"Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte" (Insisto: el título no va aquí, ya lo has puesto en el lugar correspondiente, más arriba. Por lo tanto, bórralo de aquí)

(Suprime todas las líneas en blanco que tienes en tu entrada, como por ejemplo esta en la que escribo. ¿Por qué te empeñas en dejar, entre párrafo y párrafo, una o dos líneas en blanco?)

La obra artística que a continuación voy a analizar se llama "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte" (por enésima vez: los títulos de obras artísticas, al escribir a ordenador, van en cursiva, sin subrayar y sin comillas) pintada por el artista francés Georges Seurat en el año 1886.

Esta pintura pertenece al movimiento artístico del Impresionismo. Fue considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del siglo XIX.

(Tu imagen debe estar "alineada", no "centrada". Para ello, pincha sobre la imagen, una vez abierta la entrada para poder editarla, y verás que te sale un menú: selecciona "alinear a la izquierda" o "a la derecha". Te falta, por otro lado, un detalle de la imagen (también "alineado"). Puedes realizarlo descargándote la imagen y recortándola con un programa como el Paint: para ello pincha con el botón derecho y selecciona el programa desde "Abrir con". Por último, también aquí debes eliminar las líneas en blanco que has dejado).

En la imagen podemos ver a mucha gente (que parece de clase media) pasando una tarde de sol en el campo que está en una isla del río Sena, en París.

Para realizar esta pintura, utilizó una técnica llamada puntillismo que consiste en pintar pequeños puntos de color en una medida exacta para que el ojo los mezcle y capte las diferentes tonalidades. Es una técnica para la que hay que tener mucha paciencia y ser cuidadoso, por eso al autor le llevó dos años hacer esta obra.

La luz en este cuadro viene desde el borde superior izquierdo de la imagen en la que podemos ver colores más vivos y predomina el naranja y el amarillo; conforme bajamos la mirada en oblicuo por el cuadro oscurece la imagen y desaparece la luz del sol predominando los colores azul y negro.

(Cuando acabes, pincha en "ver blog", para ver como queda tu entrada, o bien pincha en "vista previa" antes de "actualizar". Eso sí, no te olvides de "actualizar" al acabar, sino quieres perder los cambios llevados a cabo).
Falta comentar: 
- El movimiento artístico y las características del mismo que puedes encontrar en la misma.
- El trabajo del volumen y la profundidad.

Creed en Dios, de Bécquer

En la presente entrada podrás escuchar la leyenda Creed en Dios Bécquer, 1861. Para ayudarte en la escucha, aquí tienes el significado de algunas palabras de uso poco común que recoge la leyenda.

Rigor: Estado de rigidez e inflexibilidad que adquiere un cadáver pocas horas después de la muerte.
Blasfemias: Palabra o expresión injuriosa contra Dios o las personas o cosas sagradas.
Guarecerse: Acoger, proteger, guardar.
Azuzar: Incitar o estimular a un animal, especialmente un perro, para que ataque.
Alalí: Toque de trompas en la caza que indica que se ha cobrado una pieza y que aquí se aplica a la persecución del animal.
Corcel: Caballo ligero de mucha alzada.
Chanzonetas: Copla o composición poética ligera y festiva que se cantaba en ciertas festividades religiosas.
Angostos: Estrecho, reducido.
Lontananza: En una pintura, punto más distante del plano principal.
Quia: Expresión con que se indica incredulidad, oposición o negación.

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Monet, La estación de Saint-Lazare

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro que se llama La estación de Saint-Lazare, una obra que fue realizada por Monet en 1877.

Este cuadro está expuesto en el Museo de Orsay en París, Francia. La técnica empleada sobre el cuadro es óleo sobre lienzo, el cuadro tiene una docena de lienzos en los que el efecto de la luz sobre el humo de las locomotoras es el gran protagonista, se trata de un cuadro que representa la estación de ferrocarril de Saint-Lazare. En el cuadro se pueden apreciar los ferrocarriles, la ciudad de fondo, la gente andando por la estación, no se ven muy claramente las cosas pero se pueden apreciar, es decir, que si te acercas de cerca a verlo no entiendes nada y si ves el cuadro de lejos si entiendes lo que hay en el cuadro. Bajo la estructura férrea de la estación, los trenes expulsan nubes de humo que adquieren una tonalidad malva por la luz del sol. Es una composición bastante original porque tiene los colores son variados y tiene pinceladas muy sueltas. Las pinceladas empleadas son muy rápidas de modo que la forma va perdiendo importancia ante el color y la luz.

 Es una obra que tiene formas y volúmenes muy bien trabajados y también tiene profundidad.
Tiene mucha profundidad porque se puede apreciar como los ferrocarriles se ven de lejos en dirección a la ciudad y volumen porque se usa un variado de colores, cálidos y fríos, y está muy bien trabajado tanto el volumen como la profundidad y los colores están muy bien empleados en el cuadro.
En cuanto a la luz, es una cuadro bastante luminoso ya que se usan colores cálidos y llamativos y fríos y oscuros. El cielo se ve que es lo más luminoso que tiene el cuadro, por el sol y por que es un fenómeno que tiene bastante luz.  En cuanto a las sombras, también tienen, se puede apreciar la sombra de los personajes en el suelo, no se ven claramente pero se pueden intuir  y con los ferrocarriles igual.
Volviendo ha hablar de los colores, son colores cálidos y fríos, pero predominan los dos más o menos iguales.
Para este cuadro se necesitó poco tiempo, ya que se usan pinceladas muy rápidas y colores variados. Aún que sea un cuadro que se haga en poco tiempo, es un cuadro bastante complicado.
El movimiento artístico con el que se relaciona es el Impresionismo que es un movimiento artístico del último cuarto del siglo XIX. Se trata de un movimiento originariamente parisino, pero que luego se extendió por Europa, e incluso por América.
Las características del Impresionismo son el intento de reproducir fielmente las apariencias, también busca captar en las obras la temporalidad y lo fundamental es que el artista percibe y cómo se siente frente a lo que percibe.
Mi conclusión ante el cuadro, pienso que es un cuadro muy original y muy bonito, es una gran obra de Monet.

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Ejemplo de entrada para la grabación de las leyendas de Bécquer

En la presente entrada podrás escuchar la leyenda Tres fechas (aquí el título de la leyenda que se te ha asignado) de G. A. Bécquer, escrita en (año). Para ayudarte en la escucha, aquí tienes el significado de algunas palabras de uso poco común que recoge la leyenda.
- Palabra 1: significado.
- Palabra 2: significado.
- Palabra 3: significado.
(...Y así hasta diez palabras como mínimo.)

El quitasol 1777

El quitasol. (El título de la entrada se introduce una sola vez, en el lugar destinado para ello, cosa que ya has hecho correctamente, por lo que este segundo título es innecesario, y además estropea la presentación de la entrada.)

A continuación voy a analizar un cuadro que se llama "El quitasol"  (ORTOGRAFÍA: el título debe estar en cursiva, sin comillas) que pertenece al pintor Francisco de Goya (Esta obra ya está comentada). Fue pintado en el año 1777 y está encuadrado en la segunda etapa del artista (no es la segunda etapa según lo estudiado en clase, siguiendo las indicaciones del LT; lo que has encontrado en internet es que este tapiz se encuentra en la segunda etapa dentro de la obra de tapices de Goya). Esta pintura es una de los 10 cartones para la tapicería del comedor de los Príncipes de Asturias en el Palacio de El Pardo. Es una de las obras más conocidas de la pintura española, además es uno de sus cartones más llamativos. La finalidad de esta obra es decorativa.
Debes eliminar las líneas en blanco que sobren, como esta.

Representa a una elegante muchacha sentada a la que un joven está protegiendo del sol con una sombrilla, además, se ve que la chica tiene un perro sobre sus piernas. Si nos fijamos en la ropa de los muchachos podemos ver la diferencia social que hay. El tema es la juventud.

Debes eliminar las líneas en blanco que sobren, como esta.

Debes eliminar las líneas en blanco que sobren, como esta.

Debes eliminar las líneas en blanco que sobren, como esta.

Debes eliminar las líneas en blanco que sobren, como esta.

El color en este cuadro es luminoso y tiene colores vivos. A Goya le interesaba mucho la luz y es la sombrilla la que sirve para dar sombra y que se vean colores más oscuros y la luz del sol ayuda a que los colores sean más fuertes donde da directamente.
Falta: 
- Una conclusión.
- Periodo artístico y características.
- Alinear las imágenes (pinchando sobre la imagen y seleccionando sobre el menú desplegable que aparece). Además, debías incluir un detalle ampliado de la pintura.

La ermita de San Isidro, 1788

En la siguiente entrada vamos a hablar de una obra de Francisco de Goya, llamada la ermita de San Isidro (ORTOGRAFÍA: título de obra artística). Realizada en el año 1788 cuando ya Goya se estaba quedando sordo. la obra esta hecha con ole sobre lienzo, en la obra podemos observar  la gran ermita y a mucha gente que parece que esta en una revuelta. Es una obra de paradero desconocido (¿?). Como podemos ver no es muy colorido y representa la tristeza de esa época (¿?). La obra se encuentra en Madrid en la exposición de dibujos de 1750 a 1850.
Comentario muy incompleto, no has comentado gran parte de los puntos que se te piden (composición, factura, luz), o bien los has comentado demasiado brevemente. La calidad de la imagen que acompaña al cuadro es muy pobre.

Las Parcas, 1820-23.

En la siguiente entrada vamos a comentar el cuadro de Las Parcas. 
Este cuadro fue expuesto en el Museo del Prado en el año 1820-1823,
y la técnica empleada es óleo sobre lienzo.
En cuanto a su composición podemos ver que están representadas a las tres Parcas,
Atropos, a la derecha, con sus tijeras, era la encargada de cortar el hilo de la vida; Cloto, a la izquierda, porta una especie de figurilla que podría simbolizar el alma; en el centro aparece Laquesis que mira a un objeto identificado como una lente o un espejo, símbolo de lo transitorio,
la cuarta figura con las manos atadas a la espalda seria posiblemente el ser humano llevado por las Parcas a su destino, a la muerte.

Como podemos observar el colorido es más claro en el paisaje, dando un aspecto fantasmagórico a la escena.
La pincelada es rápida y vigorosa, aplicada con enorme violencia,
solo se utilizan colores fríos.
Su autor fue Francisco de Goya que fue un gran pintor y un grabador y desarrollo el estilo del  romanticismo (falta hablar de las características de este movimiento para justificar tu elección).

 De nuevo, gran parte de tu comentario es un plagio. Recuerda que el problema no está en buscar información de otras fuentes y utilizar la información que encuentres. Debes tratar de volver a contar lo que has leído con tus palabras, y, si en algún momento deseas citar palabras y frases exactas sacadas de otra fuente (como haces en tu comentario), debes emplear las comillas ("..."), además de citar tu fuente, añadiendo un apartado de "Webgrafía", y copiando la URL de la página web consultada, o un apartado de "Bibliografía", si la fuente empleada es un libro, un artículo, etc. Por otra parte, se te permite copiar determinadas palabras o frases, pero lo que no puede ocurrir es que la mayor parte de tu texto esté "calcado" y no sea de elaboración propia.

Dos viejos,1820-1823

(El título de la entrada no se corresponde con la obra comentada.)
Vamos a hablar sobre la obra titulada La Lecodia (ORTOGRAFÍA: título de obra artística),1820-1823. Este cuadro esta realizado (espacio en blanco innecesario)

por Francisco de Goya en los años 1820 hasta 1823,este cuadro esta expuesto en el Museo Nacional del Prado,en Madrid. La técnica empleada sobra el cuadro es óleo, yeso y lienzo, se trata una pintura bastante difícil por los colores que ha usado,es decir, no es nada simple, usa los colores cálidos más los frios (COHERENCIA: no se entiende).
Comentario muy incompleto.

La merienda

En la siguiente entrada vamos a comentar la obra La merienda (ORTOGRAFÍA: título de obra artística) de Francisco de Goya, de 1776, el cuadro esta expuesto en el Museo Nacional del Prado.

La técnica realizada en este cuadro es óleo sobre lienzo, en este cuadro podemos ver como familias, amigos con animales y tranquilos (COHERENCIA), están tranquilamente en medio del campo comiendo, bebiendo y pasándoselo bien.

Esta obra forma parte de la serie de diez cartones de tapices, en su segunda etapa como pintor eligio el tema del campo, porque sus próximas obras tratarían de un estilo muy similar a este.
Comentario muy incompleto, no has comentado gran parte de los puntos que se te piden (composición, factura, luz, color), o bien los has comentado demasiado brevemente. Te falta un detalle de la imagen.

"Muchachos cazando con mochuelo"

COMENTARIO DE OBRA ARTÍSTICA. 
(El título de la entrada se introduce una sola vez, en el lugar destinado para ello, cosa que ya has hecho correctamente, por lo que este segundo título es innecesario, y además estropea la presentación de la entrada.)
A continuación voy a hablar de un comentario (no vas a "hablar de un comentario": vas a hablar de una obra, o, lo que es lo mismo, vas a realizar un comentario) de la obra llamada "Muchachos cazando con Mochuelo" (ORTOGRAFÍA: es correcto que el título esté en cursiva y con la primera letra en mayúscula, pero las comillas sobran) que pertenece al artista Francisco de Goya.

Fue realizado en el año 1775 y pertenece a la primera serie de nueve cartones para tapices para el comedor del Príncipe de Asturias en el Palacio Real de San Lorenzo del Escorial (futuro rey Carlos IV). El tema de la obra es la caza. La técnica utilizada para pintar el cuadro es óleo sobre lienzo.La imagen está compuesta por tres muchachos y un mochuelo en una muletilla.
El rococó es el estilo de todos los cartones de Goya a excepción de La Nevada, El albañil herido y Los pobres en la fuente. (Debes hablar, en este caso, de las características del Rococó presentes en la obra y que te ayudan a justificar tu elección.)
Goya utilizó tonos cálidos (si tu imagen es en blanco y negro, es imposible comentar o percibir los colores, ¿no crees?). Los rasgos principales del rococó  que se pueden ver en el pintor son: vivacidad, inmediatez, curiosidad...
Esta serie está caracterizada por contornos delineados, pincelada suelta al pastel y personajes de rostro redondeado.
A continuación vemos en la imagen el detalle de la cara redonda de uno de los muchachos.

(Las imágenes deberían estar alineadas a la izquierda o a la derecha: para lograr este efecto, basta con que pinches una vez sobre la imagen, y, en el menú desplegable que aparecerá, selecciones la posición que más te interesa. Por otro lado, en el "famoso" documento compartido en Google Drive se indicaba claramente que el cuadro que eligiéseis debía ser en color.)

Sobre el plagio en tu comentario: por el tipo de adjetivos y expresiones utilizadas, en seguida se percibe que el texto no es de elaboración propia, y buscando en Google, encontrarmos pronto que el origen de tu texto es wikipedia. No obstante, has sido capaz de seleccionar frases sueltas en función del aspecto del cuadro que quisieses comentar, evitando copiar párrafos enteros. A pesar de esto último, debes ir un paso más allá, y tratar de, una vez has copiado lo que otro dice del cuadro, decirlo con tus palabras. Por otro lado, no está prohibido, ni mucho menos, emplear palabras o frases de otras fuentes, siempre y cuando dejes claro que se trata de una cita textual. Para ello, como ya sabes, debes utilizar las comillas, además de citar la fuente empleada, en cuyo caso debes añadir un apartado de "Webgrafía", y copiando la URL de la página web consultada, o un apartado de "Bibliografía", si la fuente empleada es un libro, un artículo, etc.

Saturno devorando a un hijo

En la siguiente obra vamos a comentar un cuadro llamado Saturno devorando a un hijo (ORTOGRAFÍA: Título de obra). es una obra que fue realizada por Francisco de Goya en 1874. Este cuadro fue (está) expuesto en el Museo Nacional del Prado, en Madrid.

La técnica empleada sobre (en) el cuadro es óleo (sobre) yeso trasladado a lienzo, se trata de un retrato que muestra compuesta (COHERENCIA). En cuanto a la luz (COHERENCIA: has dejado esta frase incompleta),  Se trata de una pintura muy simple, que casi raya la abstracción, en la que destaca el intenso expresionismo de la cabeza de Saturno. Posee una gran calidad plástica con fuertes y vigorosas pinceladas, bajo las que se esconde un dibujo perfecto, como indica Gudiol. Es una pintura de contrastes ya que la figura del dios sobresale de un espacio oscuro y neutro, casi irreal. Los rojos de la sangre destacan sobre los negros y grises, logrando un efecto pavoroso. Los colores no son muy extensos ya que tan solo ha aplicado los colores grises y negros, la obra no tiene nada de colores vivos.  El hijo devorado, con un cuerpo de adulto, ocupa el centro de la composición. No solo está el cuerpo a trozos del niño, sino también, mediate el encuadre escogido y la iluminación de claroscuro extraordinariamente contrastada, las piernas del dios, sumidas a partir de la rodilla negrura, en un vacío inmaterial. (PLAGIO: lee el comentario que al respecto tienes en tu comentario sobre Duelo a garrotazos. Esta vez, el plagio es mayor.)
(Todo este espacio en blanco que tienes más abajo debes eliminarlo cuando concluyas la actividad. Para verlo más claramente, debes salir de blogger y ver el resultado final en el blog de aula, entrando como si fueras un usuario anónimo.)

Dos mujeres y un hombre, 1820-1823

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro que se llama Dos mujeres y un hombre, que es una obra que fue realizada por Goya en los años 1820-1823.

Este cuadro fue (está) expuesto en el Museo Nacional del Prado, en Madrid, España.
La técnica empleada sobre (en) el cuadro es óleo sobre lienzo, se trata de un retrato que muestra a dos mujeres como riéndose que están observando al tercer personaje, que se supone que es el hombre, que este mismo muestra en el cuadro los músculos contraídos y por su postura corporal describe al hombre en pleno acto de onanismo. Es una composición muy original (¿por qué crees que es original?).
Es una obra que tiene formas y volúmenes muy bien trabajados y también tiene profundidad.
Tiene poco volumen (no es correcto decir que tiene "poco" volumen: lo correcto es describir si el volumen está mejor o peor trabajado, pero no es muy exacto hablar de "poco" o "mucho" volumen para describir el volumen de una pintura), pero lo tiene muy bien trabajado, es decir, se usan pocos colores en este cuadro y son muy oscuros, son colores fríos pero está bien trabajado porque esos colores se utilizan muy bien en el cuadro y (aquí, mejor un punto). En cuanto a su profundidad, también tiene porque detrás de los tres personajes que aparecen en el cuadro, se puede apreciar como que hay más espacio, por decirlo de alguna manera, que la pared que hay detrás de ellos, se ve como más de   lejos.
En cuanto a la luz, es un cuadro poco luminoso, ya que se usan los colores oscuros, pero dos de los personajes, uno más que el otro pero los dos, se ven que están más iluminados que los demás detalles que podemos apreciar del cuadro y (aquí, mejor un punto). En cuanto a las sombras, también tienen, se puede apreciar que la silueta de los personajes se puede ver reflejada en su misma ropa.
Volviendo ha hablar de los colores, son colores oscuros la mayoría, fríos, y se (este pronombre sobra) predominan muy bien los colores (¿a qué te refieres con que "predominan muy bien los colores"?).
Para este cuadro se necesitó mucho tiempo, ya que se (este pronombre sobra) predominan muchos colores iguales y los tonos de los colores y demás (ADECUACIÓN: "y demás" es expresión coloquial) son muy difíciles de usar ya que son iguales y hay que evitar que se mezclen.
Es un cuadro bastante complicado y se necesita demasiado (mejor que "demasiado", "mucho": diciendo que "se necesita demasiado tiempo" da la impresión de que quieres dejar claro a ti no te apetecería ponerte a pintar ese cuadro por la cantidad de horas de trabajo que requiere) tiempo.
El movimiento artístico con el que se relaciona el cuadro es con el Neoclasicismo. (Falta hablar de las características del período: de haberlo hecho, habrías visto que es muy difícil asociar el cuadro al Neoclasicismo. En cambio, te habría resultado más sencillo relacionarlo con el Romanticismo, a pesar de lo personal y no fácilmente clasificable que es la obra de Goya, o quizás por eso mismo.)

Perros en traílla, 1775

En la obra que vamos a comentar se titula Perros en traílla,1775 (ORTOGRAFÍA: Título de obra artística). Es una obra que fue realizada por Francisco de Goya,esta obra fue expuesta en el Museo Nacional del Prado, en Madrid. La técnica de este cuadro es óleo sobre lienzo,cartón para tapiz con dos perros de caza encadenados sobre un montículo. Uno de ellos fija su mirada en el espectador. Ante ellos, en el suelo, los útiles del cazador apoyados sobre una piedra: dos escopetas, un cuerno de pólvora, las bolsas para las balas o perdigones, el zurrón y el cuchillo, (espacio en blanco innecesario)

enfundado, para rematar animales de gran tamaño. Formó parte del primer encargo que recibió Goya para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara en 1774-1775. La composición fue aún de invención de Francisco Bayeu, según los documentos conservados, y el tema general elegido, la caza, estaba en consonancia con el uso que los monarcas hacían del Sitio Real de El Escorial, en donde pasaban el Otoño. El tapiz resultante de este cartón estaba destinado a la decoración de una de las sobrepuertas del comedor de los príncipes de Asturias, en la zona palaciega del Monasterio de El Escorial. La serie constaba de ocho tapices de asuntos de caza (seis de ellos en el Museo del Prado). esta obra pertenece al estilo rococó, un estilo, que podíamos definir como una exageración del barroco. La serie estaba compuesta, además de Perros y útiles de caza y Caza con reclamo, de cuadros como Partida de caza, El pescador de caña, Cazador cargando su escopeta y El cazador con sus perros. (Toda esta parte está "calcada", plagiada de una fuente que ni siquiera has citado. No es la primera vez que advertimos de que el plagio no está permitido en este tipo de ejercicios.)

Los colores de este cuadro son bastantes cálidos, no tiene nada de volumen (incorrecto: basta con mirar el detalle que has elegido para observar que el volumen en el cuadro está trabajado con maestría), es un cuadro que no se necesita mucho tiempo para trabajarlo (¿segura? ¿quieres decir que se trata de un cuadro que en una hora, por ejemplo, está terminado?), ya que es sencillo en todos los aspectos, es decir no es nada complicado. El movimiento artístico con el que se relaciona el cuadro es el Neoclasicismo. (Poco más arriba has comentado que el estilo artístico al que se asociaba era el Rococó. ¿En qué quedamos?)

Sin duda, debes trabajar mucho más los comentarios de obra artística.
Por otra parte, de nuevo, gran parte de tu comentario es un plagio. Recuerda que el problema no está en buscar información de otras fuentes y utilizar la información que encuentres. Debes tratar de volver a contar lo que has leído con tus palabras, y, si en algún momento deseas citar palabras y frases exactas sacadas de otra fuente (como haces en tu comentario), debes emplear las comillas ("..."), además de citar tu fuente, añadiendo un apartado de "Webgrafía", y copiando la URL de la página web consultada, o un apartado de "Bibliografía", si la fuente empleada es un libro, un artículo, etc. Por otra parte, se te permite copiar determinadas palabras o frases, pero lo que no puede ocurrir es que la mayor parte de tu texto esté "calcado" y no sea de elaboración propia.

Duelo a garrotazos

En la siguiente obra vamos a comentar un cuadro llamado duelo a garrotazos (ORTOGRAFÍA: título de obra). es una obra que fue realizada por Francisco de Goya en 1819. Este cuadro fue (está) expuesto en el Museo Nacional del Prado, en Madrid.

La técnica empleada sobre el cuadro es óleo yeso trasladado a lienzo, se trata de un retrato que muestra compuesta (COHERENCIA) por dos personajes de gran tamaño, casi de carácter monumental. Bajo la luz crepuscular, dos hombres aparecen hundidos en la tierra, luchando a garrotazos. El hombre de la izquierda, de apariencia más fuerte, tiene la cara y el pecho manchados de sangre, mientras que el que se enfrenta con él tiene el brazo izquierdo levantado, para protegerse el rostro de los golpes de su adversario. La interpretación tradicional de este cuadro ha sido la de dos villanos luchando a bastonazos en un paraje desolado enterrados hasta las rodillas. Independientemente de que estuvieran enterrados, este tipo de duelos se producían en la época al igual que los de caballeros, solo que, a diferencia de estos, las armas eran garrotes y carecían de reglas y protocolo: padrinos, cuenta de pasos, elección de armas. (PLAGIO)
En cuanto a la luz, a la izquierda esta más claro que la parte derecha del cuadro, arriba esta más claro ya que le ha dado un tono claro al cielo, la parte oscura es el suelo que le ha dado tonos más oscuros. Se puede apreciar en el hombre de la derecha su sombra. Destaca el contraste del color de sus ropas con la sangre que brota de las heridas. El fondo es, un paisaje con un relieve que crece en altura a la derecha de la escena.

Los colores son una mezcla entre colores fríos y cálidos, con relieves en la parte derecha del cuadro. Para este cuadro se necesitó bastante tiempo en hacerse ya que tiene un combinado de colores, detalles son pequeños y difíciles de realizar rápidamente por lo que tomó más tiempo en esos detalles. No es un cuadro muy complicado salvo los detalles más pequeños, como la cara del hombre de la izquierda o las gorras, sangre, etc. El movimiento artístico con el que se relaciona el cuadro es el Neoclasicismo (incorrecto).
Las dos obras de Goya que has comentado pertenecen a la misma etapa, al final de su vida, y se te había pedido una obra de cada etapa (estudiada).
Una parte importante de tu comentario es un plagio. Recuerda que el problema no está en buscar información de otras fuentes y utilizar la información que encuentres, pues se trata de una acción necesaria. No obstante, debes tratar de volver a contar lo que has leído con tus propias palabras, y, si en algún momento deseas citar palabras y frases exactas sacadas de otra fuente (como haces en tu comentario), debes emplear las comillas ("..."), además de citar tu fuente, añadiendo un apartado de "Webgrafía", y copiando la URL de la página web consultada, o un apartado de "Bibliografía", si la fuente empleada es un libro, un artículo, etc. Por otra parte, se te permite copiar determinadas palabras o frases, pero lo que no puede ocurrir es que encontremos párrafos completos que han sido "calcados" y que no sean de elaboración propia.

El bebedor, 1777.

En la siguiente entrada vamos a comentar un cuadro que se llama El bebedor, que es una obra que fue realizada por Goya en 1777.
Este cuadro fue (está) expuesto en el Museo Nacional del Prado, en Madrid, España. La técnica empleada sobre el cuadro es óleo sobre lienzo, se trata de un retrato que muestra al protagonista de la composición y junto a él hay un muchacho, detrás hay tres figuras que parecen estar allí para compensar al inestable y ansioso bebedor, cuya silueta se recorta sobre el cielo azul, es una composición bastante original (¿Por qué crees que es original?).
Este cuadro está basado en el Lazarillo de Tormes, se ve un bastón que haría alusión a la ceguera del bebedor y el joven que está al lado del bebedor, se supone que es Lazarillo sale con cara de resignación comiéndose una ración. Este cuadro tiene formas y volúmenes muy bien trabajados y también tiene profundidad. Tiene volumen porque es un cuadro que esta trabajado por mas de un color, por un variado de colores y también tiene profundidad porque detrás del bebedor y del Lazarillo, se ven a un par de personas como paseando por la calle y se ve como que salen de lejos por detrás del bebedor y del Lazarillo.
En cuanto a la luz, tiene sombras, se puede apreciar la sombra del Lazarillo y del bebedor reflejada en la piedra donde estos dos están sentados y la parte derecha del cuadro se puede decir que está más iluminada que la parte izquierda porque se ve el cielo y las nubes ya que son fenómenos que tienen luz.

Los colores tienen un variado, son una mezcla entre colores fríos y cálidos, se predominan los dos más o menos iguales.
Para este cuadro se necesitó bastante tiempo en hacerse ya que tiene un combinado de colores, detalles bastante difíciles de hacer y necesita varias pinceladas para que cuadro esté perfecto.
Es un cuadro complicado.
El movimiento artístico con el que se relaciona el cuadro es el Neoclasicismo. (Aquí deberías haber completado el comentario hablando de las características del Neoclasicismo que encuentras en el cuadro. Y tu comentario habría quedado redondo de haber elaborado una breve conclusión final.)

Quitasol, 1777.

En la siguiente entrada vamos a comentar el cuadro de el Quitasol.
Este cuadro fue expuesto en el Museo del Prado en el año 1777 (esta información no es correcta),
y la técnica empleada es óleo sobre lienzo.
En cuanto a su composición podemos ver que aparecen dos figuras, una joven vestida a la moda francesa y un criado cortejo que eran los que acompañaban a las mujeres casadas de elevada clase social. Este cuadro como podemos observar representa una muchacha sentada en un ribazo, con un perrillo en el halda y a su lado un muchacho en pie haciéndole sombra con un quitasol.
Posiblemente sea el Quitasol unos de los cartones tapiz más llamativos  de los pintados por Goya, en el hace un bello canto a la juventud centrando en su atención  la sonrisa de la muchacha, y su gesto seductor mirando al espectador.

Como podemos observar es la sombrilla la que sirve para sombrear distintas zonas haciendo que la luz solar se resalten los colores en los que inciden. Sólo se utilizan  tonos cálidos  que se emplean para dar  una alegría a la composición. La pincelada utilizada es bastante disuelta como se aprecia en el perro.
Francisco de Goya fue un pintor y un grabador español, su obra abarca la pintura de caballete y el dibujo. En todas estas facetas desarrollo un estilo que inaugura el romanticismo.

Gran parte de este comentario no es de elaboración propia, sino que ha sido "plagiado" de otros lugares de internet, que ni tan siquiera has citado. Ya hemos hablado de que los comentarios deben ser de elaboración propia, espero que para los próximos comentarios mejoremos en este aspecto.

Primeros audios del curso. Rimas de Bécquer

En la presente entrada os dejamos nuestros primeros audios del curso 2014-15. Cada alumno nos lee un total de nueve poemas de las famosas Rimas de Gustavo Adolfo Bécquer (a lo largo de la semana que viene irán apareciendo más poemas).
Para elegir qué poema escuchar, pincha, dentro del reproductor que tienes más abajo, en el icono pistas, entre la "flechita" de compartir y el "corazoncito" de Me gusta.

La muerte de Sócrates

La obra que vamos a comentar pertenece al género histórico y trata sobre la muerte del filósofo griego Sócrates, condenado a morir bebiendo cicuta por haber expresado sus ideas en contra de la creencia de los dioses ancestrales y corromper a los jóvenes atenienses.
La técnica de este cuadro es óleo sobre lienzo.La composición de los personajes se encuentran situados un montón (registro inadecuado, "un montón" es expresión informal) a la derecha y repartidos por el centro.Este cuadro no tiene ningún volumen pero si tiene profundidad, la luz viene de la parte de arriba del lado izquierdo. (Por lo general, si hay profundidad, hay volumen. En todo caso, en todos los cuerpos de los personajes, así como en sus ropajes, el volumen está bien trabajado).
Los colores, salvo el rojo y el amarillo de dos túnicas, son apagados, con el fondo oscuro, todo ello hace que el foco principal de luz este en Sócrates, el actor (personaje, mejor) principal.
Sobre la factura del cuadro, no esta muy trabajado. (Al contrario, el cuadro presenta una factura muy elaborado. Fíjate, por ejemplo, en el detalle de la túnica de Sócrates: ¿Cuántas horas crees que se puede tardar en pintar así una túnica? ¿Cuánto tardarías tú?)
El cuadro comentado es de finales del siglo XVIII y se asocia dentro del movimiento artístico y cultural conocido como el Neoclasicismo,  es cuadro sencillo. (En este punto deberías haber explicado algo mejor las cartacterísticas del neoclasicismo que puedes observar en el cuadro.)
Esta pintura se hizo en el año 1789 el pintor francés Jacques-Louis David .

- Sobre la composición (subrayado en verde, arriba):
        - En primer lugar, la manera en que lo has expresado no es la correcta: "La composición de los personajes se encuentran...". Mucho más correcto sería, por ejemplo, expresarlo del siguiente modo: "En cuanto a la composición del cuadro, los personajes se encuentran..."
        - En segundo lugar, no has analizado correctamente la composición: "La composición está realizada de manera equilibrada, para destacar, en el centro, la Sócrates a punto de beber la cicuta, y a izquierda y derecha, distintos personajes que quedan en un segundo plano, de acompañamiento".
- Cuidado con la puntuación al escribir en formato digital:
        - INCORRECTO: La técnica de este cuadro es óleo sobre lienzo.La composición...
        - CORRECTO:     La técnica de este cuadro es óleo sobre lienzo. La composición...
- Cuidado con la ortografía: no esperes a que el corrector de Blogger te lo corrija todo, pues se puede equivocar.

Línea temporal

Lineas temporales

Lineas temporales

Lineas temporales.

Mundo por aprender

Guerra de Independecia, Revolución francesa, Napoleón y España

Rimas de Bécquer en la voz del profe

El juramento del juego de pelota

El tamaño de letra es demasiado grande.En la siguiente entrada voy a hablar del cuadro titulado, El Juramento de Juego de Pelota (¡los títulos de obra se escriben en cursiva!). (Mejor que un punto, una coma) Hecho ("pintado" quedaría mejor) por Jacques-Louis David.

En primer lugar observamos que hay mucha gente discutiendo, tanto en la sala principal como en los lados de arriba de la imagen (¿quiénes son? ?qué hacen? ¿por qué están ahí? ¿tiene algo que ver con algún acontecimiento histórico que hayas estudiado?. En segundo lugar vemos que la técnica es oleo sobre lienzo, en su composición hay muchísima gente en una sala discutiendo al parecer por algo decidido en ese momento (este punto sobre la composición es mejorable: más abajo lo tienes comentado), el cuadro tiene mucha profundidad ya que se puede observar lo profundo que es (COHERENCIA: expresión mejorable), se ve que la luz llega de las ventanas de la izquierda, los colores del cuadro son oscuros (pues se trata únicamente de un primer borrador, ya que el cuadro está inacabado), la factura se ve fácilmente que lleva mucho trabajo realizar esta obra al tener que hacer tantos detalles (y al final no se concluyó el cuadro), la obra pertenece al neoclasicismo. 
(COHESIÓN: Has redactado tu comentario sin usar prácticamente puntos, especialmente el párrafo anterior.)
(Por no interrumpir tu párrafo demasiado, te añado aquí, Jorge, cómo podrías haber comentado la composición: En cuanto a su composición, la pintura está organizada disponiendo a un numeroso grupo de personas en torno a un individuo que se haya en el centro del cuadro, en una posición elevada, hacia el cual apuntan la mayor parte los brazos y manos. La disposición de los personajes atiende a una intención escénica -como en un teatro- dejando el frente de la escena -primer plano- libre de personas y objetos, de tal manera que se puedan observar con claridad los tres personajes que se encuentran abajo, también en el centro. La zona superior del cuadro -salvo en las ventanas laterales- está libre de elementos que distraigan la vista de lo que está ocurriendo en la zona central, sin duda la más importante de la pintura.)
Éste cuadro nunca llego a terminarse debido a su gran tamaño. Podemos encontrar este cuadro en el Museo nacional del castillo de Versalles 
Espero que os haya gustado. 

Te falta hablar sobre:
- La fecha de realización de la obra.
- Características del Neoclasicismo que puedas apreciar en la obra.
Además, te falta recortar, ampliar y pegar en esta entrada un detalle del cuadro (utilizando, por ejemplo, el programa "Paint").

Comentario de obra artística: Napoleón en su gabinete de trabajo.

La letra de tu texto es demasiada grande: debéis utilizar el tamaño "normal".
En la siguiente entrada voy a hacer el comentario de una obra artística en concreto el cuadro de  Jacques-Louis David: El emperador Napoleón en su gabinete de trabajo.(ORTOGRAFÍA: los títulos de obra se escriben en cursiva.)

En esta obra podemos observar que la técnica utilizada es oleo sobre lienzo, su composición es que (quedaría mejor expresado del siguiente modo: La pintura está compuesta de tal manera que..) el personaje ocupa la mayor parte del cuadro con pocos detalles destacados tras este, en el cuadro se ve que tiene volumen y profundidad (quedaría mejor expresado del siguiente modo: La pintura presenta un volumen y una profundidad trabajados), la luz es proveniente de el centro del plano ya que no podemos observar sombras en el cuadro (incorrecto: el cuadro presenta mucha zona de sombra; existe un único foco de luz que proviene de la posición del espectador del cuadro -ligeramente a la izquierda- y que ilumina principalmente el torso y la cabeza de Napoleón, dejando el resto del cuadro en una cierta penumbra), los colores en el cuadro son muy cálidos (incorrecto: ¿todos los colores son cálidos? ¿predominan los cálidos? Hay un predominio del blanco en el centro del cuadro, con un equilibrio entre colores cálidos y fríos), la factura del cuadro se ve que ha llevado bastante tiempo de elaboración, por la definición que podemos observar en el cuadro vemos que lleva mucho tiempo. (quedaría mejor expresado del siguiente modo: El cuadro presenta una factura trabajada, pudiéndose apreciar muchas horas de elaboración.)
(COHESIÓN: el párrafo anterior necesita pausas de mayor duración, es decir, "puntos". Concretamente, entre característica y característica comentada podrías y deberías haber situado un punto.)
Esta obra pertenece a la época del neoclasicismo debido a sus características (como son...). 
Espero os haya servido y gustado este comentario, aquí os dejo el enlace del pintor para poder observar esta obra mas detenidamente y mas de sus obras (se puede expresar, mejor: "más información sobre sus obras" o "más obras suyas").
Te falta hablar sobre:
- La fecha de realización de la obra.
- Características del Neoclasicismo que puedas apreciar en la obra.
Además, te falta recortar, ampliar y pegar en esta entrada un detalle del cuadro (utilizando, por ejemplo, el programa "Paint").

"La muerte de Marat"

“La muerte de Marat”

A continuación, en la siguiente entrada del blog, voy a analizar una de las obras más conocidas del pintor francés Jacques-Louis David, "La muerte de Marat".

 Es una pintura de estilo neoclásico y además una de las imágenes más famosas de la Revolución Francesa. Fue pintada en el año 1793. Es conocida como la Pietá de la Revolución.

La pintura representa el fallecimiento del periodista y amigo de David, Jean-Paul Marat, quien fue apuñalado por Charlotte Corday mientras estaba escribiendo en la bañera. Esta mujer se obsesionó con la idea de asesinar al hombre a quien ella concebía como una “bestia” para poder así “salvar a Francia”. Poco después de asesinarlo, Charlotte fue guillotinada.

David organizó su funeral y Marat fue enterrado en el Panteón. Poco después pintó un retrato de su muerte. Terminó la obra en cuatro meses desde su muerte y la presentó a la Convención nacional. Este cuadro se considera el paso definitivo hacia la modernidad.

Podemos decir, después de haber leído información sobre Marat, que David idealizó a su amigo porque no aparecen en el cuadro los problemas que sufría en la piel. Lo pintó en un estilo que recordaba al de un mártir cristiano, con el cuerpo y la cara con una luz suave. Si nos fijamos podemos ver como hay partes muy oscuras y otras, como acabo de comentar, con una luz suave.

Esta obra la podemos encontrar en los Museos reales de Bellas Artes de Bruselas.

Errores de presentación y formato:

1. Fíjate que, tanto al principio como entre párrafos como al final, tienes espacios en blanco que no poseen ninguna función, y que, en el blog, "molestan" bastante, pues obligan al lector a subir y bajar continuamente por la página, en vez de poder leerla de un solo vistazo. Una vez acabes una entrada, elimina todo los espacios en blanco que tengas, tanto al tanto al principio como entre párrafos como al final.

2. No sé por qué, pero da la impresión de que hay un error en blogger, porque para la alineación de tu texto (al menos en esta parte de "edición"), este aparece "centrado". Recuerda comprobarlo cuando publicos, pues lo adecuado este tipo de entrada es "justificado" o, al menos, alineado a la izquierda. 

Otros errores:

- Falta el "recorte" con un detalle de la pintura comentada.

- El comentario es correcto, pero no es lo que se te pedía.

- El título debe aparecer una sola vez, pero, ¿dónde debe aparecer? ¿Hay algún sitio específico para ello?